美感该怎么培养？？

怎么培养美感？~

那我来说说吧:所谓美感，首先你必须认同那样事物，这样才会有那份准备和心理去看，去思考。怎样认同好的事物呢？我们必须克制住自己性格的弊端，也就是说审美观上的误区，迎合美学家的口味，看看那些有图文的书籍，能够让人遐想的。多看多感受（名山大川；偏僻乡村；民署风情；异域音乐等），久而久之就有了基本的审美情趣，紧接着看下名家的书籍如朱光潜的<论美学》写出你不同的见地，加入你个人的态度，这样独立的审美观就诞生了。

首先说的内在美的培养，这是最重要的，是不能模仿复制的。当然也 不是一两天能达到的。简单点说就是有文化内涵，有知识储备，它无时无不体现在你的言谈举止等各个方面，这方面体现的是气质美。是美的精髓所在。对于现代人来说 ，知识的来源更加多样化，只要你想，学习提高永远不迟。

 每个人都有自己独特的审美眼光和品位，有的人喜欢着装打扮时髦高调，有的人则喜欢大众审美的简单素雅，这正体现出每个人对于美感的不同理解。如果想要培养美感，那么我们就要从细节开始。

有美感的前提是有爱，然后是50％的观察，20％的交流，30％的思索。美学家都是思想家。美学家未必都是艺术家，艺术家都有“情结”但未必都“有爱”，所以艺术未必都有美感。

•  眼睛的直观印象：比方说有些东西你第一眼看到就觉得很美,但是你却说不出理由,我觉得服装的设计不一定要华丽才美啊,简单、舒适也可以很美的,经常逛逛服装店，逛的多了自然而然有些衣服会被你Pass掉,有些衣服会吸引你的目光，这个时候我们的审美相较之前就会有所提升。
  

• 用心去感受：看些好画啊，天天欣赏一些知名的著作。一定要选自己真正觉得美的作品去欣赏，否则你与作者不在一个角度看，也不能够理解作者真正的用意，也提升不了美感。可以在生活中提高自己的一些修养，比如种种花啦，养养鱼啦，多看看文学上的书，那么自身的修养也会有所提高的。 而且时间久了看任何的东西就会有个重新的角度，不会跟以前一样。

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所以想要培养美感，我们多欣赏优秀的艺术作品吧，所谓近朱者赤，长期耳濡目染，多少能悟出点门道. 。而且不光能提升我们的眼界，我们的心态也会随之变得更加平和，美感自然而然也会有所提升。

美感这个东西是虚的，范围比较大。也不是先天就能有的，都是后天培养出来的。我来说一下我对美感的看法。

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• 美感能力，是所有读者应该具备的能力中最重要的。所谓美感，是指他对事物有一种审美的态度和能力，而这种态度和能力与一般的态度或能力颇有不同。

• 首先，我们应该知道，美感活动也是一种人文意识的活动。美的感知与判断，跟个人意识的发展息息相关。一个人的知识、经验、生命情调，无一不是美感的主要凭借。

• 扩大审美口味。应尝试着去欣赏各种不同类型的作品，让自己到新的美感形式中去探险，开拓自我美感经验的领域，尽量了解文学作品所可能具有的各种不同的美的要求和设计，丰富自我美感经验的内容。

• 提升审美层次。人生不能只有一种色彩，也不能只有一种美的类型。扩大审美口味，却并不意味着每一种美都具有相同的价值。要多去看些艺术感东西，去参加讲座。

• 建立美感价值的观念。因为提升美感层次和扩大审美口味，重在提升拓展自我的美感经验，这样能涵盖包容各种美的趣味。但是，既然美有不同的形式，有不同的层级，而欣赏本身又牵涉到审美主体的活动，那么，这些美在我们的生命中占着什么样的地位，理应有一种价值的区分。

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  美感这种东西不是一朝一夕就能形成，还是建议多去一些美术馆，博物馆等讲座或者多看看杂志，书中自有黄金屋。总有一天美感就来了。

那么如何才能培养起美感、对“美”能有敏锐的感受呢？下面是我个人的一些感受和体验。如果你想知道培养美感的方法，就往下看吧！

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“美”是一种精神品格的砥砺。人之心灵应是高洁、纯正的，才能创造出真正的“美”。自然无往而不美，人心也可如此。有一本书叫《论世说新语和晋人的美》一篇中讲到魏晋人的艺术萧散简远、超然绝俗，那正是源于晋人在人格上追求自然主义，欣赏人格的个性之美，尊重个性价值。以虚灵的胸襟才能净化心灵，当人怀有虚空的心灵和不滞于物的崇高人格时，才能将自己更多的敏感和细腻关注到对美的追求上，建立起最高的美的意境。“美”是一往情深的，情深是善良的心灵的体现，善良的心灵才能发现真正的美。对“美”的体会与发现是依于一种人文情怀和哲学之深厚素养。

在磨练最根本的精神素养的同时，我们还要切实地去亲临自然，置身其间，耳濡目染。倘若自己的身心全然处于机械化的生活中，怎么能孕育出善于发现“美”的心灵呢？正如宗白华在《我和艺术》中讲他从小就爱美，对山水风景有着发乎自然的酷爱。天空的游云和复成桥畔的垂柳，是他孩心最亲密的伴侣。正是这种天性，让他在日后对“美”有独特的感觉和见解，在美学的研究上有更多的发现。

再者，我们是要让自己的心灵真正地发现“美”，对“美”进行深入地品味。事物之“美”是我们用眼、耳、鼻、舌、身、意充分地感受之后的体会，对“美”的事物，我们应当有最直接的感性认识和独自的体会。当我们倾听一首深情的乐曲时，血液不禁能沸腾起来；当我们品读一片美文时，也不由得梦笔生花；当我们“观山则情满于山、观海则意溢于海”时，这就是我们本有的爱美的心灵因“美”而触动起来，那样的人心、品性是无往而不美的，那一刻我们才真正地踏上了寻美的历程。

在感性认识之后就得走进理性的殿堂，就是要切实地研究美学和艺术。美学并不是简单的让我们去寻求感官上的享受，简单的沉迷于色、声、香、味、触之中，而是从引人注目、悦耳动听的事物中去发现“美”的要素，总结出“美”的规律，让真正的“美”成为自我的精神的升华，成为我们雅致的文化品位。在研究艺术的时候要全面地关注艺术领域的多个部类，艺术的天地是广漠阔大的，我们的目光不可居于一隅。没有多方位的考察，我们在认识就很可能沦为一孔之见，在创作上就缺乏生动的表现力。

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美需要我们用眼睛去发现，用心去感受。并且理性分析理解。多读书，听音乐，观察身边。发现不同的美，体验不同的美！

以下是在知道里面看到的一篇,我觉得受益良多,便存下来了.原作者姓名没有存到,十分抱歉.耐心一些看完,或许你也能得到一些启发.

平面设计的基本功

首先，没有电脑障碍，这一定算是基本功。当然，这与不依赖电脑，并不自相矛盾。不依赖绝不是说可以不懂，毕竟在我们工作中，从设计到印刷的每一道工序都需要电脑的帮助。今天看这一问题就象画家不会用笔的道理是一样的。
其次，对印刷知识的匮乏阻碍了许多平面设计师的发展。因为不了解，许多设计师认为自己的设计就是电脑屏幕上的样子，这很危险，因为技术的原因，它与实际的输出效果还有较大的差距。不熟悉印刷的特性与缺陷，许多设计师在做设计的时候不断地给印刷找麻烦，设置障碍，这很愚蠢。平面设计师需要了解的印刷知识有许多，比如说各种品牌印刷机的性能、同一机型不同规格的性能、不同品牌油墨的性能、四色油墨与专色油墨的特性、不同品牌、规格、品种纸张的性能、特殊工艺、后期加工及装订等等，这些都是设计师在做设计时需要为客户考虑的问题。

那么，懂了电脑，懂了印刷流程，就可以称作平面设计师了么？可能还不行，毕竟以上说的与“设计”还没有直接的关联。就平面设计而言，还有许多特色性的规律：

A、平面不平
二十多年来，我自己有过很多幸运的事。比如在我吃这碗饭之初，偶然在旧书摊上买过一堆“艺术与设计”杂志，这是永远令我感到兴奋的回忆。因为那时我正被眼花缭乱的设计弄得五迷三倒，无师可从，这堆旧杂志让我开了眼，见识了正点。

认真阅读艺术与设计杂志，一切有关平面设计的技巧都囊括其中，而且毫不张扬，温文而雅，为抄袭者提供了大量改头换面的空间。我对平面设计的理解很多来自这堆旧杂志。

“平面不平”是我对平面设计中画面效果的一种理解，很多人把它叫做版式、构图、结构、形式感…都可以，我喜欢把话说得简单。拜读了很多好的设计后，我感到设计师们都在有意无意地追求着“不平”的效果。即利用各种平面元素，在平面材质上（比如纸张等），努力拉伸视觉空间。这一理论，画家塞尚早我们一百年就开始尝试了，并已作到了极致。令我很感叹的是一百年前最不商业的令人类恐慌的艺术变革，一百年后却变成了最最商业的平面艺术，多有意思。

这一空间概念涵概了自然空间感受与矛盾空间感受。随设计师的爱好、版面要求、视觉冲击需求、自由选择。现在已经没有很多人大惊小怪了，但无论展现自然空间感受，还是矛盾空间感受，设计师所使用的技巧（或称元素）是有规律的。把它们归纳在一起也有一大堆。比如：打洞；夸张暗影效果；使用极具真实性与质感的图象；实物元素与绘画元素的对比使用；利用色彩之间的反差效果；利用线与色条的叠压效果；利用文字与图形、文字与文字的叠压效果；文字之间大小比例关系的对比等等。因为篇幅所限，不作细解，今后可将范例作品与理论文字对照比较，一目了然。

B、色彩中的音乐
色彩是平面作品中的灵魂。想运用好它一定要了解一些纸张与油墨的知识。不同纸张与不同油墨的组合，会产生出绝对不同的效果。但我们与画家的区别是：平面设计师手中的颜料只有四管儿，但它可以依靠网点的疏密特性，调和出所有我们可感知的颜色。这真是一项神奇的发明，作为印刷技术的原创民族我们感谢德国人。

利用网点与纸（白色）的配合，我们才能让油墨显得更均匀、鲜艳和干净。但这只是技术上的事，设计师在设计工作中对色彩的运用还要更多的依靠灵性。
我常希望身边的设计师朋友们能学习一些音乐，这并不是故弄玄虚，用音乐的理论解析色彩真是简单直白，这是我的发现。

1．首先懂得音乐的人都知道在乐器上找不到一个固定的音，音符“叨”随调式改变着位置，不同的调式传达出不同的感情，适合着不同的乐器与人声。这与我们运用色彩的道理是一样的，整幅画面的基调与情绪是通过画面色彩的冷暖传达出的。但从小我们头脑中的色彩冷暖关系就是固定的。红色偏暖，蓝色偏冷。其实这是一个错误的概念。如同音符一样，颜色随周围环境的变化转换着调性（冷暖关系）。懂得这一道理，蓝色也可以被我们??&渲染成暖洋洋的样子。

2．因为屏幕的关系，平面设计师已经不习惯给颜色以文学式的命名，比如洋红、群青、湖蓝，取而代之的是更简单，更直接的4个数字。这很好，符合商业时代或叫数码时代的要求，是个机械式的要求。对色彩调性化理解是对平面设计师灵性的训练。

3．其次和弦与旋律概念在平面设计中的应用

玩乐器的朋友都懂得另一个道理，无所谓哪一个音好听与难听，音符一定要放到一起去，才能叫音乐，否则“叨”“叨”“叨”一直按下去一定是噪音，“叨”“咪”“嗖”放在一起就变成了和弦“C”。这好比颜色中红蓝白的搭配一样，永远和谐。和弦可以继续往里添加新的音符，比如加个“来”这个和弦马上变了情绪，变成了一个7和弦。如果把“咪”换成降“咪”就更是大相径庭地跑到蓝调里去了，就好像在红蓝白的组合中，配上紫色或桔色给人的视觉感受是截然不同的。和弦一直可以添加音符进去，成为9和弦，13和弦……在色彩上就好比我们常说的高级灰。

明白这个道理后，我们就会更直接地理解颜色是应该分组使用的。这些组合的基础应该向和弦C、D、E、F…一样，有一个最原始的搭配，设计师想不断变化，就在这些组合里求变吧。你一定要把没关系的颜色放在一起，就象”发“和”希’谁也不挨着谁，两者之间没关系，你的画面一定平淡；如果你一定要把敌对的颜色放在一起，准会难看。运用和弦的道理去理解色彩，你会立刻跳出色彩贫乏的误区，发现眼前可用的颜色太多也太美了。合理搭配的色彩组合把画面的视觉空间不断拉伸，让画面不仅绚丽而且厚实，这就是色彩和弦的作用。 但仅仅有了和弦就能成为音乐吗？不对，音乐还需要旋律，没有旋律的音乐不好听。那么，平面作品的旋律是什么呢，它是我们眼睛观看一幅作品的过程。一幅招贴也罢，一本宣传册也罢，都存在着一个先看到什么，再看到什么，最需要人们看到什么，记住什么，回味什么的问题。这些就构成了平面作品的旋律，让观众的眼睛什么时候紧张，什么时候休息，最后停留在哪个地方，这是设计师最需要动脑子考虑的问题。

c. 节奏
根据我的建议，长时间以来，我的设计助手们一直在总结、记录各种各样的色彩组合。从名家的作品中，从各民族的图案里，从自然景物中，然后在实际的工作中我们使用这些颜色。曾经给快餐做过的小折页里所使用那一组颜色，就是从蔬菜和水果里找到的。因为需要一套让人看了就饿的颜色。但问题很快就来了，许多设计名家在设计里总结出的颜色组合，再经过我们使用后就变了样，没了神儿，这是为什么呢？真让我们苦恼了一阵子。

起先我们还以为是在颜色记录时出了问题，查对的颜色不够准确，再后来的很多次实验都不成功，但幸运的是疑惑了很久还是终于找出了原因。原来色彩的使用与音乐中的节奏一样，需要比例，许多好看的色彩组合还需要合理的色彩比例控制，在特定的条件下某个颜色的使用面积一定要大，某一颜色就要小，某些仅仅是为了透气，某些就是为了压沉，再往下我就没有信心继续寻找规律了，实在是变化无常。但可以肯定的是平面作品一定需要一种节奏的控制，控制节奏的元素有很多，它们中常用的就是颜色、图片与文字排列。

涉及到“感”那就很抽象了。要培养“感”就要把吸取“美”成为习惯。完全可以跨行业的吸取。
要开始欣赏一切“美”的东西：上街偷看MM；电视插播广告，别换台看看“美”的东西；陪女朋友逛街时留心一下店面的装修，橱窗里的设计，服装，大胆的欣赏一下女孩的小饰品。。。。
这不是个徐徐渐进的过程，会有跳跃式的进步。可能一段时间没有变化，也可能在2天就有飞跃的发展。

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美感该怎么培养？？视频