如何欣赏雕塑作品，雕塑在西方艺术史上为何有如此重要的地位

为什么说古希腊的雕像艺术在西方美术史上占有重要的地位~

古希腊雕塑：古希腊悠久的神话传说是古希腊雕塑艺术的源泉

西方雕塑的传统发端于古希腊和古罗马文化，但古希腊雕塑却又曾被古埃及雕塑深深的影响过，所以让我们先来回顾一下古埃及的雕塑。大约在公元前4000年左右，埃及的雕塑突然兴盛起来，并且形成了人类雕塑史上的第一个全盛时期。占埃及雕塑有着准确的造型、风格化的语言和相当内在而神秘的精神风貌。在古王朝时期出现了大量纪念碑似的雕塑，有的甚至是可以令全人类为之骄傲的杰作，最有代表性的是吉萨的狮身人面像，它有20米高50多米长，仅面孔就高达5米，它和临近的金字塔一起构成了建筑之谜。它在造型上服从于“正面律”程式，似乎是一个狮身人面，带着国王的头巾，与某位法老的肖像比较接近，它是当时埃及雕塑具有祭祀和宗教功能的反映。它和别的法老肖像一样在形式上给予人的印象是：庄严、雄伟、浑厚、稳固、犹如不可动摇的大山.

无论是狮身人面像、法老的肖像、或是别的古埃及雕塑，它们都是恒古不变的遵循着“正面律”的程式，透过它们，我们可以感受到古埃及雕塑的审美理想是追求“永恒”。而古希腊雕塑的审美理想则是追求“真实的美”。希腊雕塑家创造了越来越凭艺术家灵性和天赋使雕塑作品达到新颖活泼的形式，并一点一点的从平面趋向小的起伏。尽善尽美的境界。于是给我们留下了《掷铁饼者》、《米洛的维纳斯》等写实性雕塑的千古典范。古希腊雕塑的发展大致可分为三个阶段：古风时期、古典时期、希腊化时期。在“古风时期”希腊雕刻处于“摸索”阶段，它借用埃及雕塑的“正面律”法则来制作人像，形成了“古风”程式，这一时期的雕像形体大都比较古措、僵直，雕像的重心总是落在双足之间。到了一批制作于公元前五世纪的青年裸体立像被发现时，人们看到旧的程式被突破了，人体的重心落在了一只脚上，整个人体因而放松，显得自然、真实。于是这一批青年裸体立像的出现标志着希腊雕塑进入“古典时期”。 “古典时期”即希腊雕刻的全盛时期，这时的希腊雕塑在追求“真实的完美”，追求客观真实之美的境界已经到了登峰造极的程度。在文化史上通常把从从亚历山大远征远征开始到埃及托勒密王朝臣服于罗马帝国的历史阶段称为“希腊化时期”。“希腊化时期”的题材相当丰富，出现的地区也十分广泛，从某种意义上讲形成了一种文化的扩张，其影响覆盖了整个欧洲，并且成为了整个西方艺术的奠基，其崇尚客观真实之美的文化便是西方文明讲究思辩性、讲究客观之真的最初体现。希腊雕塑创造了一种美的综合，对于人体本身也充满了赞美，这些我们可以从这一时期的许多裸体雕塑上得以体会。反过来说崇尚裸体的风俗也给厂写实雕塑语言的发挥以淋漓尽致的机会。

在希腊被罗马帝国征服以后，西方的文化艺术中心由希腊转移到了意大利早期的城市，罗马人虽然征服了希腊的国土，但在文化上它却是一个被征服者。罗马人大量的复制和学习希腊的雕塑，今天所遗留下来的一些古希腊雕塑都是罗马时期的摹制品。罗马雕塑沿袭了希腊雕塑追求“真实之美”的传统，但比希腊时期的雕塑更加的世俗化，在罗马时期许多军事家或政治家都要求雕塑家为他们塑造肖像，甚至罗马人还经常性的用雕塑来留存死者的形象。这客观的在写实的道路是又迈出了坚实的步伐。罗马雕塑的成就主要是表现在肖像雕塑和纪念碑雕塑上，这些肖像雕塑不仅形似，同时还十分的讲究表现人物的性格特征。比较著名的有《奥古斯都全身像》和《卡拉卡拉像》。此时在纪念性雕塑上以宏伟和庄严取代厂过去的优美典雅。

随着公元五世纪西罗马帝国的灭亡，开始了被后人称之为黑暗的中世纪，它在15世纪的意大利文艺复兴的黎明前结束。中世纪的到来标志着西方进入了基督教时代。这一时期宗教对雕塑产生的很深的影响，墓督教的禁欲主义思想影响了雕塑家创作灵感。当时的雕塑作品大多是带有浓厚的禁欲主义色彩，艺术中所体现的宗教精神倾向在中世纪达到丁顶点。在墓督教精神的哺育之下，哥特式艺术取得了辉煌的成就，哥特式艺术成为完全为上帝歌颂光荣的文明信仰的反映。早期的杰山典范有巴黎圣母院和沙特尔大教堂。也许正是由于中世纪雕塑长期受到桎梏和压抑才会产生十五世纪出现的之艺复兴的非凡的爆发力。

从十四世纪起，在意大利，由于人对自身价值的重新肯定和对世界的发现导致了文艺复兴运动的发生。在这一时期，艺术家们将人作为了自己美学象征和追求的对象。在十五到十六世纪的上半叶这种思想得到发展与传播，从而彻底的改变了欧洲的面貌。许多雕塑大师在这时相继涌现。比如多那太罗、米开朗基罗、博隆那等，文艺复兴的雕塑以共完美

的技巧、宏伟的气魄和深刻的思想标志着欧洲雕塑史上继希腊罗马以后的第二个高峰，米开朗基罗则是文艺复兴时期最重要的雕塑家。他的一身创作了无数艺术精品构成了这一时期的最经典的范式。十九世纪伟大的雕塑家罗丹曾经总结说“菲底亚斯的雕像由四个面构成，而米开朗墓罗的雕像则由两个面构成。”米开朗基罗作品的形体构成变化不是轻微的而是激烈而扭曲的。在创作中米开朗基罗强调遣“应该用眼睛而不是手去测量，因为手只会制作，而眼睛才会判断。”米开朗基罗的作品中流露出强烈的人文主义色彩，特别是他后期的作品运用强烈对比的造型来宣泄内心悲愤的倾向越来越明显。1520年左右到十六世纪末出现了风格主义，该时代艺术家们缺乏个性，缺乏创造性，一味的创作出一套完整的雕塑范式，摹仿前人的样式，使它成为了文艺复兴这一辉煌时代的后继衰落阶段。此后罗马出现了巴洛克风格的艺术，巴洛克艺术盛行于十六世纪末和十七世纪的欧洲。它通过绘画、建筑构成了一种潮流，推进了欧洲的文明。这时最为重要的雕塑家是贝尼尼，他以几乎可以乱真的写实技巧被称为“巴洛克时期的米开朗基罗”。贝尼尼的作品在表达激情或宗教狂热时所使用的人体语言更加的复杂，这种“体积”的扭动，夸张的表情，起伏的形体和流畅的线条，使作为华丽的宫廷雕塑以其戏剧性的效果和纪念碑的气势，焕发出强烈的艺术魅力。比较文艺复兴时期的雕塑巴洛克时期的雕塑少了些庄严、肃穆和正襟危坐的感觉，它广泛的进入人们的生活，更加的世俗化。在十七世纪同时与巴洛克平行发展的还有法国的古典主义雕塑。这种风格追求严谨、宏伟的和谐及平直的线条，它正好与巴洛克以曲线为主的形式相反。

十八世纪，在法国宫廷中最先出现罗可可美术。这种艺术形式在1720年至1760年间得到了充分的发展。它是从巴洛克背景中自然演变出来的，并自觉脱离了巴洛克风格，罗可可风格的雕塑在气势上不象巴洛克时期的那样有力，它追求纤细柔弱的艺术效果。罗可可雕塑家的代表人物有法尔孔奈、克洛狄翁等。在十八世纪中叶新古典主义艺术在罗马兴起，并且迅速扩大到欧洲的其他地方。该运动寻求以绝对美的理沦为美学理想，来抨击罗可可的肉欲倾向及形式繁琐。新古典主义雕刻流行于1790年至1840年其代表人物有意大利的卡诺瓦、丹麦的托尔瓦德逊、法国的乌东等。其中乌东在肖像雕塑方面有着很深的造诣，他的著名的作品有《伏尔泰像》。

十九世纪，巴黎取代了罗马成为了欧洲的文化艺术的中心。随着资本主义的繁荣，雕塑艺术的发展也开始多样化，出现了许多流派和主义，除了上一世纪就有的新古典主义外还先后交叉出现了浪漫主义、写实主义。

十八世纪，浪漫主义出现在欧洲，到十九世纪五十年代左右渐渐衰落。浪漫主义运动宣告丁人与个性先于一切的地位，它以强烈的感觉和想象回答了冷酷的理性王国，表现了对新古典主义的反叛。它标志着艺术与往昔一切想法的彻底决裂。浪漫主义雕塑的代表人物是吕德，他是巴黎凯旋门著名的《马赛曲》雕塑的作者，他以象征的手法使雕塑在表现为正义而战的人民时激情涌动。还有大卫•安格尔斯和巴地斯特•卡尔波也是浪漫主义的代表人物。

十九世纪五十年代前后，法国的现实主义运动诞生，现实主义是以反对美术院中将艺术置于一些僵死的原则之下为目的，该运动试图使艺术重新接近于日常生活，在现实中寻找灵感去达到艺术理想。现实主义雕塑家中以罗丹的成就为最高。在西方的雕塑史上他被视为继米开朗基罗之后的又—巨匠，同时他还在雕塑史上充当厂一个承前启后的角色，是他给辉煌的占典雕塑拉上了帷幕，是他叩响现代雕塑的大门。从罗丹开始，自古希腊流传下来的这种以尊重客观真实之美为基础的艺术形式墓本—卜达到顶峰，此后的西方艺术家转而追求的是作品所表达的心灵的真实。我们看到罗丹的人体之所以感动我们的不再是它怎样的逼真，而是透过坚硬的雕塑有一股生命力在向外膨胀，而是那些仿佛颤动的形体激起了我们灵魂的悸动。罗丹的创作和艺术思想对于后世的雕塑有着深远的影响。他的代表作有《思想者》、《吻》、《巴尔扎克像》等。

雕塑作为一种以立体视觉艺术为载体的造型艺术，是雕、刻、塑三种创制方法的总称，是用各种可塑材料（如石膏、树脂、粘土等）或可雕、可刻的硬质材料（如木材、石头、金属、玉块、玛瑙、铝、玻璃钢、砂岩、铜等），创造出具有一定空间的可视、可触的艺术形象，借以反映社会生活、表达艺术家的审美感受、审美情感、审美理想的艺术。

从定义上看，在欣赏雕塑中需要注意的几个方面，空间形态、塑造风格、材料运用、情感表达等。而不同时期地域的雕塑还反应了风土人情，社会文化等等，具有承载文化的意义。

下文将主要从古典、现代和当代三个阶段带大家感受一下如何欣赏不同时期的雕塑：

先看古典的：

以上的几张图，基本是古希腊罗马雕塑，有广为人知的大卫、维纳斯等等。这是大众印象中西方较为传统意义上的雕塑，除了表现宗教题材的作品之外，很多都是表现人体的作品。

在西方的雕塑中，不论男女多为半裸或全裸的姿态，给人一种强大的视觉冲击。这是因为希腊罗马人欣赏人类魁梧、圆润的体格，但这样的雕塑在中国就比较少见，几乎是找不到的，中国的雕塑家受传统观念的影响，希望间接、婉转的去表达美，让观众去联想、感受。

由于中西方历史文化背景不同，决定了西方的艺术注重写实性，古希腊艺术黄金时代留给我们大量的人体雕像，可谓之典范，不仅形式完美，而且大部分都表达出艺术家的思想感情。

人们欣赏这类型的雕塑，了解其时代背景是必不可少的，这样可以情景带入，最大程度的让观众感受那个时代的风俗习惯与民族精神。

古希腊人民风淳朴，但也开放，认为人体和性都是美的，不加修饰的自然就是美，同时推崇人体的健康美。现在人们看到的古希腊的雕塑类作品中，多数体现的是人体自然的形态、健硕的肌肉、对自身体型毫不自卑的欣赏。古希腊的政治的开放，也许造就了人民的开放和独特的审美观念。古希腊人崇拜人体，崇尚力量和自然，他们的神都是理想化的人，他们重大的活动都举行运动会，运动会上的运动员都是全裸提参加展现力量和人体美，就是现在奥运会的前身。（这些对历史稍有了解的同学应该都知道）

就雕塑本身来讲，五官精美、表情刻画细致入微、人体比例完美、动态充满张力。这些用大众审美来讲就是美的，比较符合大众审美，所以我们普通观众在欣赏起来相对更容易。

再看现代：

阿尔贝托·贾科梅蒂（AlbertoGiacometti1901-1966）瑞士艺术家，是二战后欧洲最伟大亦最富于表现力的雕塑家，同为油画家、素描家和诗人 。

先来看以上图片中的雕塑，针尖似得脑袋，纤长如丝的四肢，就如“火柴人”一般，按普通大众的理解，这样的作品美吗？好看吗？为什么有这么多人欣赏、赞叹、甚至在拍卖行中拍出过亿美元的价格。

撇去“美是什么”在哲学上的意义不谈，“美”这个字在艺术作品中和现实生活中有着很大的区别：

古人喜欢用“闭月羞花，沉鱼落雁”来比喻女子的美，从宏观到微观，人们看到蓝天白云，说美；看到花儿，说美；看到漂亮的衣服，说美……美在现实生活中是让人感到愉悦的事物。

都说“艺术来源于生活，高于生活”，就是艺术家创作的艺术作品来源于生活，并且把自己想要表达的感情也倾注其中。这些感情中有愉悦的，当然也包括愤怒、同情、叹息等等令人感到不快的感情。所以艺术能表达现实的美与丑，并且通过艺术加工，是丑的东西也能吸引人，引发观众思考。所以在艺术审美中，当然不能单纯用生活中的美丑定义，而是要多一个层次，看作品是否真实准确地再现了事物的原貌或原气氛，并且真实准确地表达了作者的感情。

回到作品再去看，会发现人们看待作品的眼光已经脱离了单纯的美丑，进而思考作者为什么会把正常的人表达成瘪、瘦削、残破的人形，恍如隔世的感觉，如同孤鬼游魂一样，回到贾科梅蒂生活创作的年代，当时的欧洲饱受战争的沧桑，人们的内心是孤单、脆弱、甚至是恐慌的。他表现的是二战后的一种时代情绪，正是用这种非常独特的艺术形象再现了这样一种感觉。具体这种感觉在面对观众时心理产生了怎样的碰撞，那就是观众与作品纯粹的沟通了。

所以理解这种类型的雕塑艺术，要认识到它的价值不仅是他在形式语言方面的独特创造，这些作品与特定时代的文化背景息息相关，不能脱离艺术家的生存环境来理解。

另外，不像古典雕塑有着最佳观赏距离，很多评论家认为贾科梅蒂的雕塑与空间之间的关系很微妙。当这些“火柴人”竖立在你眼前时，你会觉得自己与他们之间永远存在着距离，无法靠近。这就是艺术作品与空间之间建立的关系。

最后看当代：

看到这些作品，是否觉得已经无法区分出这是不是雕塑？

近些年来雕塑发展的形式越来越多元化，甚至很难区分何为雕塑、何为装置、何为工艺……里面的风格也变化多样，对于大众的欣赏层面就会存在更多的迷茫、无从着眼，相对于较为传统的表达方式，各种“稀奇古怪的”特别是实验性的表现方法更让观众摸不着头脑。

所以很难分清这是不是雕塑？当代的雕塑应该怎样去界定？

这里借用美国艺术评论家丹托的“艺术界”的概念，就他所言，“80年代艺术的样式革命已经基本结束，艺术的问题不再是作品的问题而是语境问题。”雕塑也逐渐摆脱媒介的局限，而成为一种话语方式。当代雕塑重要的是现场中话语的指向性，这也是它与传统雕塑的根本区别。

“语境”现在也是一个比较复杂的系统，也没有被完全定义，所以我们姑且简单的理解为“大环境”（包括思想感情、作者的立场、观点、艺术修养、兴趣爱好、表达的时间、对象、前因后果、表达的领域、媒介……太多，不一一赘述了）。

再来看看现在所处的环境，生活的时代，科技大爆炸、人文地域的变化、一切都在快速的更迭。任何一种艺术形态与语言方式都是在特定背景的逻辑关系中产生与发展，面对这个复杂多变的时代，雕塑语言的边界也在不断扩大，对于传统，不抛弃也不固守，但在新的语境中总会获得许多新的可能。跨界创作现在是一个时髦的词，一切的新技术、新材料、新信息，如果能为艺术创作提供资源，能有利于艺术的充分表达，都应该去研究和尝试。科学技术的进步会影响整个社会形态的改变，艺术当然在此列。

认知到人类身处的多元化的社会，也不难理解雕塑艺术的多样化发展，由于个体的视觉经验和生存体验存在差异，所以对当代的雕塑作品观念的解读认知也会有很大差别，甚至有误读的存在，实际上每个人在观看与解读作品时，都是从自身的生存体验出发，都对应于个人情感，连接着真是的自我意识，都是个性化的欣赏，误读是常态。这也是当代许多艺术品在欣赏上的一个特点。

您这个问题可以回答的方向很多
在欣赏雕塑作品时
可以从艺术的一般欣赏角度如内容和形式的表现来分析
也可以从作品的整体与局部去分析
艺术是相通的，文学、音乐、绘画、雕塑、电影等，它们的欣赏方法都很类似
原因是有“艺术原理”这种本质的存在

至于在西方艺术史上的重要地位
建议你参考西方艺术史相关专业书籍更好

这种题目应该是学校的课后题吧
希望我的回答给你一些提纲性的建议
细节之处你自己再完善

雕塑，指处于美化目的或用于纪念意义而雕刻塑造、具有一定寓意、象征或象形的观赏物和纪念物。是造型艺术的一种。欣赏雕塑最好的方法莫过于直观的面对要欣赏的作品，看这件作品是否能给予你视觉乃至内心的触动。

西方艺术史上雕塑的地位之所以重要，是因为雕塑的产生和发展与人类的生产活动紧密相关，同时又受到各个时代宗教、哲学等社会意识形态的直接影响，西方古代时期的雕塑在很长的一段时间里主要是为图腾、魔法和宗教服务。并且，传统的观念认为雕塑是静态的、可视的、可触的三维物体，通过雕塑诉诸视觉的空间形象来反映现实，因而被认为是最典型的造型艺术、静态艺术和空间艺术。所以在西方观念中雕塑是一种相对永久性的艺术。

知道来龙去脉，进入创造者的语境，比如欣赏太湖石要懂瘦透漏皱，比如欣赏古希腊建筑需要知道柱式的意义和比例规则。
依赖各人自己的经验和直觉，你自己喜欢也可以。

因为雕塑具体，直接，是三维的，可以触摸，更容易被普通人理解和感知。

雕塑在构思阶段的创意构思，就是雕塑设计，它以视觉传达为媒介而产生的立体造型的过程，亦可以称为造型设计。

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