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唱歌时怎样换气??~

唱歌时如何快速进行换气？教你一个简单的惊讶式呼吸

你试试腰围突然扩张几寸的办法吧，记得，要快哦，全身完全放松，吸入气体迅速到腰围，让腰围速长几寸，你听到声音了吗？如果听到了，把上腭再抬起来一点吧。如果还有，那么，把鼻孔扩开一点试试。唱歌的时候吸气是口鼻一起吸的。

转载 唱歌时如何 换气 引 把你会唱的歌放慢一半的速度来唱，每天练每天练。练上两个月，到时候再按原来的速度唱，最后你会觉得唱歌比说话还轻松 还可以同时试试:一口气说很多话，或者表达你歌曲中的一个全句(即便可能有点稍微憋的慌)。每个字要保证有情感和该有的弹性。让人听着清晰和自然。练熟了之后，每个字的强弱、真假、音高也可以在一口气里边随意试试。 练习一口气下的发声弹性与连续性，气息的集中度与气息利用的效率会大增。逐渐，你可能会觉得并不是很憋气就能唱很多的字和表达整句的意思，而且字字的变化与连续性随心且轻松多了。那时，句句之间的换气，也会很有弹性与自然和舒服的。 呼吸肺是容纳空气的器官，亦是我们取得原动力来歌唱的地方，所以在容量方面是越多越好， 我们可以用吸满气的方式来增加它的容量。大多数的人，从来没有达到吸满气的程度，原因是往往误解 了肺的范围--以为肺在胸口部分，而忽略了其他的部分。其实肺的四周由肋骨包围着，肋骨的作用是 保护肺，有肺的地方就有肋骨，我们可以用手摸到肋骨，也等于摸到了肺。让我们先由胃的上部，找到 最低两根肋骨分支的地方，用手指分向左右，沿着肋骨向下摸，我们会发现这两根肋骨一直延伸到腰部， 我们对肺的范围，就有一个印象了。肺的顶端叫肺尖，以下叫肺叶。肺叶部分比肺尖部分大，也就 是说肺的下半部比上半部大。在它扩张时，亦复如是。肺的四周既为肋骨包围，当然很难向四周作大的 扩张，唯一能扩张较大的是它的底部，但在它的底部下面有一片强有力的肌肉横膈膜，它的作用是控制 呼吸的，在静止时是向上凸起的弧形，吸气时，由向上的弧形变成向下的弧形，即吸气时下降，呼气上 升。横膈膜的下面是胃，胃要先下降，横膈膜才能下降。但是胃下面是肠，没有地方给胃下降，于是腹 部要向外凸出，胃才能下降，呼吸的过程就很明显了。它的程序是:吸气(1) 腹部向外突出 (2)胃下降横膈膜下降呼气(1)腹部向内收进(2)胃上升横膈膜还原以上的呼吸动作， 我们称之为腹式呼吸。虽然呼吸是由横膈膜控制的，但我们不可能做到人为地控制横膈膜，所以只能用 控制腹部来完成。我们懂得如何控制腹肌，就等于控制了呼吸。现在以皮球打气筒为例。我们在打 气时，先将活塞柄拉下，然后推上。拿来和呼吸对照，则活塞柄等于腹肌，活塞等于横膈膜，筒身等于 肺，我们也可明白气的出入是由活塞控制，但活塞却是由活塞柄控制的。用腹式呼吸，是不能一次 将整个肺部吸满气的。我们下半部的肺是跟着呼吸膨胀和收缩的，但上胸部却无此必要，因为上胸部是 一个主要的共鸣箱，要经常保持它的形状，何况我们唱歌时，只用到肺中的一半的气就够了，很少用到 上胸部的气。一般不懂得腹式呼吸的人，经常在用胸部呼吸，在唱歌时，也在用着上胸部的气，以致使 上胸部经常要把气挤压出来而受伤。我们只要在未吸气之前，先使上胸部充满了气，那么吸乞时就自然 会使肺的下部充满气了。使上胸部充满的方法很简单，只要在吸气前挺起胸就行了。在唱歌时，一般只 用下胸部的气，用完了立即换气。除非有时要表现一种特殊的技巧，而多用一些气时，才会用到上胸 的气。其实我们每一个人，都在不停地用腹式呼吸，只是没有去注意罢了。试平卧在床上，不用枕 头，将手放在腹部，全身放松，就会感觉到腹部在上下的运动，那就是腹式呼吸。 2、发声人声是空气经过声带的空隙而发出的，声带是呈V 形的两片薄膜，富有弹性。吸气时，完全 张开，发声时部分合拢，空气由夹隙中挤出时与声带发生磨擦，从而发出声音，它的发音不是主动的， 而是被动的。原理和用嘴唇吹喇叭相似。我们试用嘴唇作吹喇叭状，先用少量的气来吹，嘴唇就会缓慢 震动而发出"卜卜"声，这时的嘴唇很松，然后再大力吹，嘴唇就会自动收缩得很紧而发"吱吱"的声 音。"卜卜"是低音，"吱吱"是高音。所以声带和嘴唇一样，发音的变化是由气压控制的，我们要控 制声带，必先控制气压，控制气压，必定要控制呼吸。3、共鸣任何乐器都必须有共鸣箱来增加 它的音量，我们的歌声也不例外，它有三个共鸣区，那就是胸腔共鸣、鼻腔共鸣和头腔共鸣。胸腔共鸣 是指我们的整个肺部也叫基本共鸣，它是我们无论唱什么音(由低音至高音) 都不可缺少的。我们试唱 一个很低的音，将手放在胸部，就会感觉到震动，再将手放在背部，也可以感觉震动。由此我们知道， 唱出的声音，并非单由口中发出，而是由整个肺部发出，再加上鼻腔共鸣。鼻腔共鸣是指它两旁的鼻窦 起共鸣。这里我们不要把鼻音和鼻腔共鸣混为一谈。那怎样分别它们呢?试用手捏住鼻子，然后唱出 C 调的solasido,如果感觉到鼻塞，唱不出，那就是鼻音，如果捏住了鼻子照样地自由发音，那就是 鼻腔共鸣了。头腔共鸣是指我们的头部而言，高音声部的人 (Soprano,tenor)唱至f2 音高时即要转 入头腔。低音声部的人(Alto,Bass)在至降e2 即要开始转入头腔。我们京剧的老生在唱高音时，有所 谓脑后音，那即是头腔共鸣了。头腔共鸣不易感觉到，因为震动太快。唯一能感觉到的是当你在唱高音 时，忽然会感觉到头昏，那即是说你已用到了头腔共鸣了。发音的基本原理一个没有经过训练 的，唱歌发音的方法跟平时说话的发声方法是一样的:将声带拉紧。这种发音方法在唱高音时，为了 获得大的间量，必须用加大气息的方法冲击声带，使本来就拉紧的声带巨烈振动。如长时间使用这种方 法唱歌，就会感到喉咙发紧，嗓音渐嘶哑，嗓子感到劳累，长久下去声带会经常充血，还会产生各种病 变。从低音唱到高音时，通常便用不同的发音方法，而且在改变方法的时候声音自然，不给人听到 有突然改变的现象，这样才算是掌撑了正确的歌唱方法。nbsp;这种正确的发音方法就是咽音 发声法。所谓咽音发声法就是指在发高音的时候，将咽腔调节得又细又长而声带的振动反而减弱， 只是发边音与风音而已，而这种微弱的边音都能在咽腔内产生强大的共鸣，从而便音量得到提高。 而声带的负荷并没有因发高音而加大，所以并不感觉到疲劳。我们的咽腔就好比笛子的笛腔， 而且比笛腔更灵活，不仅长短可以控制而且粗细也可以调节。而问题在于如何控制好我们的咽腔让它随 着音高游刃有余地运动，而且能像笛腔一样坚硬有力，长时间站得住而不累。这点可不是轻而易举 就能做到的，因为它有悖于我们自然的发声方法，需要训练我们不经常使用的肌肉，而平时说话时用 到的肌肉都让它暂时休息，难就难在这里。人人都有嗓子，人人都会唱歌，可唱出来的效果却有天 壤之别。不从事声乐专业的人对唱得好的人的结论往往很简单--嗓子好，事实不尽然。歌唱的基本 要素就是声音、乐感、技巧。作为专业训练要求的声音，通常叫作"音色" 加工。在西洋传统唱法 中，音色被放在首位，因为它有特殊的要求标准:纯度、浓度、光亮度。在通俗唱法中对声音没有如此 讲究，但不等于没有要求。即便通俗唱法对音色没有太高的要求。光以"歌唱的声音必需和说话的声音 统一"这一点而言听起来很简单，可许多人就是做不到;再以"气声"为例:这种仅属于通俗唱法 特有的发声方法在不同人口中唱出来效果完全不同，唱得好的气声有"磁性感"，唱得差的全在漏气， 无声可言。区别在哪里?前者气中有"质"，后者没得。那么通俗唱法的功底是什么?如何去训练? 西洋传统声乐的基本功在发声上是打开喉咙和集中声音(声乐术语也叫"关闭");在呼吸上建立强有 力的支持。通俗唱法与西洋传统唱法的基本功没有原则区别，不同的是打开喉咙的方式，西洋传统唱法 要求在低喉上打开喉咙，这需要经过长期的训练才能做到。通俗唱法不强调这一点。打开喉咙的具 体涵义是喉--舌的对抗，今仍有不少歌手喉咙打不开，特别是高音区，用高喉位而不造成"声道阻塞"， 这在通俗唱法中是允许的;但高喉位只要稍有"位移"，却是非常容易产生" 声道阻塞"的。在通俗唱 法中，打开的目的不是为了共鸣的需要，而防止声道阻塞。但是就效果而言，适量地打开喉咙对演唱歌 曲的效果来说是积极的。这也是欧美唱法的效果为什么比港台唱法效果好的主要原因之一。具有喉-- 舌的对抗动作产生的声音，无论力度、质感都会得到加强。所以打开喉咙这种基本功在通俗唱法的训练 过程中，地位虽没西洋传统唱法那么重要，但仍不应忽视。通俗唱法的基本功是"压缩声带"和建 立"动态下的气息支持"。在此有必要引证一段帕伐洛蒂的话来说明压缩声带的意义:"当中声区进入 高声区时，喉咙部位有一种"收紧"的感觉，这不是肌肉的力量，相反，有关有肌肉必须是很放松的， 像正在"打呵欠"一样，但你必须促使声音更压缩(Squeezed)在开始学习掌握这种感觉时，似乎 "失声"了(Socrificed)，这样使声音变化了。开始时，会经常把声音挤压破了，这是正常的，然而， 当正确的方法开始被掌握时，那就是十分安全而保险的方法了。即使一时还不能有漂亮的声音，驾驭熟 练后就会漂亮起来。"二者是一种不容易掌握的矛盾统一，因为喉咙和声带处于同一位置 (据说帕氏为解决"高音的过渡"化了六年时间)人的习惯本能是:要么喉咙和声带同时都"紧"起来 ，要不就是一起都"松"了。但只要化功夫，肯定是能够学会的，这一点下面还要详细探讨。用 "压缩声带"来发声或唱歌的原理，听起来似乎有些"玄乎"。其实并不，因为声带的形状很象人的嘴 唇，只要看到吹小号或吹笛子的人怎样吹奏这些乐器时的口唇形状，就不难理解声带在歌唱时的状态， "压缩"或"收缩"声带的涵义也变得很形象化了。另一个基本功是建立动态的气息支持。同时还 要做到声带紧--喉咙松的矛盾统一。虽然说通俗唱法最接近说话，但说话和歌唱毕竟是有区别的。主 要反映在音域上，说话音域"狭"，唱歌音域"宽"，说话有一个八度就够了，歌唱绝对不够;气息也 同样有区别，说话时用气"持续"短，歌唱时用气"持续"长。作为能源消耗量而言，说话消耗少，歌 唱消耗多。更何况歌唱有高低、强弱、刚柔之分，因而必须要建立一种能调控的呼吸机制。常见的所 谓呼吸训练法往往有三个错误倾向:1、重"吸"不重"呼"，而忘了歌唱是在" 呼气"状态下进行的 ;还怎么再能流动?歌声又如何流畅?3、"提气"与"压气"的失调:提气--压气在歌唱中是矛 盾的统一，气息是"往上的，没有气息对声门的压力，又何来声音?压气是对所提气势大小的"制动阀"， 所谓排泄式呼吸法就是把压气当成了目的，完全忽视了提气的主导作用。具体的方法是要求在收下腹和 鼓上腹同时工作，但鼓上腹的力永远不能大于收下腹的力，二者的平衡就成了"僵持"，如果光是下腹 鼓出，就成了排泄式;如果光是上腹"收紧"，声音会"憋"住而唱不出。2、重"姿势"而不重实效 ，认为只要保持两肋张开的姿态去唱歌，就是做到了有支持的呼吸，这样做的结果常常适得其反， "保持"在大多数情况下，都成了"僵持"，试问气息不流动了，能源供应停止了，声音有人说: "唱歌是呼吸的艺术。"不无道理。这对通俗唱法而言同样适用。从建立歌唱的呼吸机制，以学会控制 这种机制，是需要时间和功夫的，它毕竟和日常生活的呼吸是完全不同的。 通俗歌曲演唱技巧 1、通俗歌曲演唱的一些技巧训练一.气息训练将身体与精神放松一些，气息调整均匀，空气不要吸 入过满，不要太刻意注意姿势及口、鼻吸气的动作，因为身体状况处于常态时，外界气压大于身体内压 力，在完成正确的吸气息动作后，肺部即形成负压，空气自然进入肺部，这样在演唱时吸气迅速，在话 筒前无任何杂音。要点1.两肩摆在自己最自然的状态2.胸腔打开3.两肋及后腰自然4. 小腹及臀部注意协调性5."横隔膜"(处于腰部"水平线"的平滑肌)注意收放的节奏6.发音时 要平稳、轻柔练习上述状态准备好后，以四拍为一小节，心里数一二三四在数四的同时，将空气瞬 间吸如(空气吸入不能过满)，在下一小节的第一拍发"s"音(国际音标的"轻辅音"，声带不振 动)，在发音的过程中，身体灵活自如、意识积极，肌肉不僵硬，富有弹性、神经不紧张，不松懈。 发音时:呼吸的相关肌体组织上、下挤压肺部，当挤压到极限时，左右前后继续全方位向内挤压肺部。 向上的气流要细而稳、集中而有力。练习曲的每个乐句，气息和声音都不能间断，时间保持越长越好。 肺部的空气始终保持在肺的下二分之一处。其实通俗一些就是拉长音对气息的作用，在气息训练方面， 这也是最简单易行的方法了。二.声带训练发"s"的状态不变，舌尖稍向后移，声带立即振动， 发出一个近似国际音标"Z"(介于"zi"与"ri"之间的音)，发音时，注意力集中在声带上， 练习曲的每个音都不能脱离"声带"，并要配合已练习过的气息方法。 2、通俗唱法的基本功 1、声音必须要让听众感觉到清晰的"质感"。要做到这一点，就必须在演唱时，声音充分靠前。这种 靠前还必须是"高度集中的"。"质感"是以高度"聚焦"的形式来体现的，点子越小，质量愈高。 2、音量控制不是以放大--缩小来体现的，而是以上述这个小小的聚音点的亮--暗控制体现的， 这种技术要求的目的是为了唱者广大音量时，音质仍保持聚而不散。在减弱音量时，更不能失去"质感 "，哪怕唱气声时，仍不失去"质感"，电声再高明，只能改变唱者的音色，却无法制造出"音色"来。 3、音质产生于声带的振动，振动来自声带的张力--阻力，因而发音的"焦点"必定在声带上，西洋 传统唱法中有一句声乐术语叫做--"让声带歌唱"。帕伐洛蒂说过:"声音是从声带开始的，必须使 声带立即振动起来。"就是这个意思。4、在通俗唱法中也有一句声乐术语- -"声必须靠在声带上" 。如果说声音的出发点在嘴巴，声音就无法靠在声带上了。也就是声带的张力--阻力不到位，所产生 的声音效果要么奶声奶气的;要不声音就无法集中;"让声带歌唱"五个字同时可以具有三个内容: 声音意识不要以"嘴"为出发点，而是应以声带为起点，这是一种意识，(因为声音实际上总是通过嘴 巴出来的)始终应以声带为"起点";第二种是从生理上说的，在让声带歌唱时，"软腭的两边必需 放下来"，好像一直挂到脖子下面，这是在歌唱时的一个非常重要的条件，因为它是解决声带紧喉咙松 的关键。腭弓松了，舌头就自由了，下巴也放松了，喉咙才可能打得开。反过来，腭弓一绷紧舌根立即 下压，造成声道堵塞，一切全完了;第三种是指"声音靠在气上"(传统唱法有此要求，欧美流行唱 法同样有此特点)因为歌唱方法的本质是气息--声门的阻抗，没有积极的声门张力--阻力又如何能 和气息产生阻抗?声带的调节是一切科学唱法的核心，通俗唱法当然也不例外，也是欧美唱法的区别于 港台、日本唱法的标志之一。这种方法的优点是声音"质感"强，嗓音特色显著。值得我国歌坛借鉴。 5、声音必需充分唱出来的另一体现是吐字。尽管通俗唱法的吐字建立在平时说话自然的基础上， 但毕竟仍有程度上的差别。应该说歌唱吐字要比说话夸张得多，就如同演话剧时念台词的吐字比平时说 话要夸张的情况相同。通俗唱法的吐字在发声时要求舌头左右横向拉紧，这一强调的目的是让声音更靠 前，更清晰，舌头好象一直处于英语中"get"、"let"、"like"那个位置上。它始终要口腔后部尽 量不要大于口腔前部。因此在歌唱时绝不能有意识去张大口腔后部，也就不要提软腭。通俗唱法也不要 求张大口，只需口腔前呈"喇叭形"，不影响声音靠前即可。(猫咪叫时的嘴巴形状，形象地说明了唱 法的口型要求)br/保加利亚著名声乐教师勃伦巴诺夫曾断言:歌唱的秘密是 "靠前、再靠前"。 为什么要如此强调靠前?在西洋传统声乐界，曾有过"靠前"--"靠后"的长期争论。原因是"共鸣" 这个内容，常常容易让人造成错觉--让自己的耳朵听到振动，这种本能的习惯意识会让唱者不自觉地 让自己把声音安放在口腔后部----距离耳鼓膜最近的地方，造成了自以为声音很响但人家听起来并不响 。在通俗唱法中同样可能发生这种情况，绝大多数歌唱者忽视了唱者自我感觉和听者实际感觉是两回事 这个客观现实。在高音上的自我感觉，甚至和实际效果完全相反。如果一个歌唱者不能建立走这么 一个概念--随时不忘用自我的耳朵去聆听自己的声音--即清楚地知道自己的声音在听众耳朵中的实 际效果的话，是绝对唱不好歌的。有些歌唱者自我感觉特好，实际却完全相反。有些歌手唱得很好， 却老是自卑地认为自己唱得不好。"唱出来"就是"靠前"的本意，但传统声乐的靠前和通俗唱法的靠 前在声音效果上是截然不同的，通俗唱法就是要西洋传统唱法中的"白声"，甚至可以说要求越"白" 越好。6、气感:气感不只是一种意识，更是一种"效果"，上述呼吸中用上下腹对抗来建立支持是一 种手段，这并不是说在歌唱时两肋能保持张开的姿势就算有了气息支持的情况一样，"气感"正是对这 种方法后鉴定。以教堂的钟为例:如果这个钟没有挂起来就敲击它，声音短促而难听;挂起之后再去调 皮击它，声音会产生回荡的余音，传送十里之遥。气感能使歌声始终带有回荡的"余音"，听觉效果明 显不一样，唱者的自我感觉是清楚地感到胸中有"回声"。以上几点是通俗唱法实践应用中必需注意 的具体要求，尽通俗唱法是多制式、多层次的，这些要求却是一致的。但对不同层次的歌手的具体要求 标准可以有所区别。如果我们按能高能低、能强能弱、能刚能柔、能亮能暗这十六字为准绳，对高层次 的要求:十六字全部到位;对中层次是部分到位;对低层次的可不讲究到位。这是指技巧要求。乐感在 通俗唱法中是首要的。正因如此，乐感不足的人唯一的出路只有通过技巧去弥补了，而技巧制造出来的 力度对比、色彩对比以及高音的爆发力等技巧，即使不能达到"动心"的效果，至少可以达到"动听" 的效果。毕竟一流乐感的人是少数，渴望"制造乐感"的人是多数。基本功是培养"能力"的，"能力 "则是技巧的基础，学好基本功无疑需要付出一定的劳动代价，但也一定会有收获。任何唱法模式，当经 验上升为理论时，都会发现它们有着自己的发音"套路"，在声乐专业术语上也叫"状态"。西洋传统唱 法为建立这个"状态"需要化费很长时间和精力。最终仍未必都侧"种豆得豆，种瓜得瓜"。到头来颗粒 无收的也不在少数。通俗唱法的基本功相对要比起西洋传统唱法要简单，就如同芭蕾舞和现代舞的情况相 似:芭蕾舞非要用足尖支撑，现代舞却不需要，但在腰和腿方面都需要有" 功"。芭蕾用"足尖"的特定 要求与西洋传统唱法要求在"喉头沉底"的基础上歌唱，同样是难度很大，训练的"耗时"自然也长。通 俗唱法则无此要求。如果的抽掉了这项特殊要求就认为通俗唱法不需要基本功，结论未免轻率了。任何唱 法模式，只要有技巧要求就必要基本功，只是按不同的美学效果来建立自己的不同"状态"罢了。

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